工业设计史

20世纪80年代，随着后现代主义的浪潮走向式微，一种重视个体、部件本身，反对总体统一的所谓解构主义(Deconstruction)哲学开始被一些理论家和设计师所认识和接受，在世纪末的设计界产生了较大的影响。

解构主义是从构成主义的字眼中演化出来的，解构主义和构成主义在视觉元素上也有些相似之处，两者都试图强调设计的结构要素。不过构成主义强调的是结构的完整性、统一性，个体的构件是为总体的结构服务的；而解构主义则认为个体构件本身就是重要的，因而对单独个体的研究比对于整体结构的研究更重要。

解构主义是对正统原则、正统秩序的批判与否定。解构主义不仅否定了现代主义的重要组成部分之一的构成主义，而且也对古典的美学原则如和谐、统一、完美等提出了挑战。在这一点上，解构主义与意大利16—17世纪转折时期的巴洛克风格有异曲同工之妙，巴洛克正是以突破庄严、含蓄、均衡等古典艺术的常规，强调或夸张建筑的部件为其特色。20世纪80年代，一位西方艺术家来华演出的一出哑剧，形象地说明了什么是解构主义。这位艺术家在用一把中提琴演奏了一段古典音乐之后，突然起身猛地将提琴摔到地上，并狠狠地踩了一脚，然后他又很快地用提琴碎片在一块画布上粘贴出一幅抽象的绘画——一幅提琴解构重组的绘画。这样，原来完美、和谐的提琴造型已不复存在，而它留下的碎片在另一种艺术形式中得以重生。

解构主义作为一种设计风格的探索兴起于20世纪80年代，但它的哲学渊源则可以追溯到1967年。当时，一位哲学家德里达(Jacques Derride，1930—)基于对语言学中的结构主义(Structuralism)的批判，提出了“解构主义”的理论。他的理论的核心是对于结构本身的反感，认为符号本身已经能够反映真实，对于单独个体的研究比对于整体结构的研究更重要。在反对国际式风格的探索中，一些设计师认为解构主义是一种具有强烈个性的新理论，而被应用到不同的设计领域，特别是建筑学。

图11-22 屈米设计的巴黎维莱特公园的一组解构主义的红色构架

图11-22屈米设计的巴黎维莱特公园的一组解构主义的红色构架

解构主义设计的代表人物有弗兰克·盖里(Frank Gehry，1947—)、柏纳德·屈米(Bernard Tschumi，1944—)等。80年代，屈米以巴黎维莱特公园的一组解构主义的红色构架设计声名鹊起。该组构架由各自独立、互不关联的点、线、面“叠印”而成，其基本的部件是l0m×10m×10m的立方体，上面附加各种构件，形成茶室、观景楼、游艺室等设施，完全打破了传统园林的概念(图11-22)。

图11-23 盖里设计的毕尔巴鄂–古根海姆博物馆

盖里被认为是解构主义最有影响力的建筑师，特别是他在20世纪90年代末完成的西班牙毕尔巴鄂–古根海姆博物馆(图11-23)引起了很大的轰动。盖里生于加拿大，后迁居美国，曾获哈佛大学的城市规划硕士学位。1962年他成立了自己的建筑事务所，并逐步将解构主义的哲学观点融入其建筑之中。他的设计反映出对整体的否定和对于部件的关注。盖里的设计手法似乎是将建筑的整体肢解，然后重新组合，形成不完整，甚至支离破碎的空间造型。这种破碎产生了一种新的形式，具有更加丰富，也更为独特的表现力。与别的解构主义建筑师注重空间框架结构重组的手法不同，盖里的建筑更倾向于体块的分割与重构，他的毕尔巴鄂–古根海姆博物馆就是由几个粗重的体块相互碰撞、穿插而成，并形成了扭曲而极富力感的空间。

图11-24 英戈·莫端尔设计的波卡·米塞里亚吊灯

在工业设计中，解构主义也有一定的影响，德国设计师英戈·莫端尔(Ingo Maurer，1932—)设计了一盏名为波卡·米塞里亚的吊灯，以瓷器爆炸的慢动作影片为蓝本，将瓷器“解构”成了灯罩，别具一格(图11-24)。

解构主义并不是随心所欲的设计，尽管不少的解构主义的建筑貌似零乱，但它们都必须考虑到结构因素的可能性和室内外空间的功能要求。从这个意义上来说，解构主义不过是另一种形式的构成主义。